Design & Crafts in Tunisia

Tunisia is famous for its arts and crafts scene. Naturally, designers attempting a more sustainable production approach are turning towards working with artisans. In their workshops they find a source of local hands-on production capacities with great skills for creating products with local identity, durability and lower CO2-emissions. Vice versa, cooperating with the designers means new income possibilities for the artisans.

The potential of the union of design and crafts is grasped by several stakeholders: the Design school of Tunis (Ecole Superieure Des Sciences et Technologies Du Design) is offering a Master Studies on Design for the Sustainable Development of Local Handicraft Productions (“DDD-Design Pour Le Développement Durable Des Productions Artisanales Locales”). Minassa, an incubation hub providing creative start-ups with entrepreneurial skills defines crafts as a branch of the creative industries ready to march off. Oxfam steps in and supports L’Artisanerie, an initiative giving structural, social, economic and marketing consultancy and support to artisans all over Tunis. The UNESCO honors the pottery of the town Sejnenia by declaring it a world heritage. The project Jbal from Kasserine sees working with design and crafts as a chance to strengthen local identity and to stabilize youngsters against extremist influences.

How do these initiatives give artisans the support they need to utilize the full social, economic and creative potential of their crafts?

L’Artisanerie is run by Lobna Saidi and works with artisans of different crafts all over Tunisia, from carpet weavers, potters, basket weavers to palm wood carpenters. The showroom in Tunis offers new marketing and publicity opportunities. One of the crafts producers is El Mensej, a collective of women weaving upcycling carpets in Nefta, an oasis town in the South of Tunisia. The women used to produce the handwoven carpets in their homes hence their activity was never regarded as a real job or paid by their families and society. Shanti, a local cooperation partner of L’Artisanerie, installed the structure that was missing: a local neighborhood working room, like a co-working space, where the women can actually pursue their work of weaving carpets any time that suites them, but are still near their homes so that they can still take care of their household chores. L’artisanerie provides marketing possibilities with the showroom in Tunis and with orders from customers from Tunis and Europe. By the sales of the carpets the women earn a living – for almost all of them it’s the first time in their lives.

The Master DDD (“DDD-Design Pour Le Développement Durable Des Productions Artisanales Locales”) aims at providing the design students with the full capacity of realizing a business with traditional crafts. They not only learn and practice their design skills and technical understanding of crafts, but at the same time how to work with artisans in an equitable way so that the design outcome is based on true artistic collaboration. Therefore, the human scale of working together is given great importance. The students practice these skills in hands-on-projects with artisans. Besides, they learn all the economic marketing skills to make a business out of their product idea. As the master runs successfully since several years, the graduates already prove themselves as successful entrepreneurs.  For example, Khansa Yazidi  reinterprets the Tunisian bathroom by designing brass fittings, taps, basins and towel holders handmade by local artisans in unconventional playful shapes; e.g. the piping of a tap can take the shape of a flamingo. Mariem Ben Abid founded the internationally successful company Suddart which produces and sells a wide arrangement of beautifully designed ceramic tiles.

Crafts also come in when projects deal with preserving cultural heritage and identity. The initiative Djerba Insolite aims to save the craft traditions of the island Djerba in the collective memory by opening them up to new influences and inviting designers to create new designs with the artisans.

The artist Sana Tamzini sets another statement of preserving and reviving traditional crafts and skills with her artistic work. She creates light installations, photography, videos and art performances in public space actively integrating local people. In her site-specific works she records and transmits disappearing traditional customs, craft skills and agricultural practices and interprets their importance for identity. In the village of Takrouna she realized an installation and a performance relating to the gathering of Esparto Grass which is used for weaving doormats and baskets. In the village of Chénini she created an installation, projection and performance by working with the last stone breaker of the area by projecting him during his work into a cave that had been created by other stone breakers in the past.

The vibrancy and importance of crafts in Tunisia mean a wonderful playground and chance for Tunisian product designers. Whereas designers in Western Europe are often faced with the situation of the actual production taking place all over the world, Tunisian designers find hand-on crafts production right in from of their door which makes it easier to start small scale individual crafts productions. So the merging of crafts and design in Tunisia means great chances and benefits for both of them, designers and artisans.

Fotos:

Jbal: Marouan Zbidi

L’Artisanerie: Mohamed Amine Charbti

Suddart: Suddart

Sana Tamzini: Mejdi Bekri

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Die Recherchereise nach Tunis und Thessaloniki im Rahmen des ECO DESIGN FORUM international veranstalten wir als Kooperationspartner der Stadt Köln. Das Projekt wird gefördert durch die Stadt Köln aus Mitteln der Partnerstadtprogramme und Engagement Global aus Mitteln des Landes Nordrhein-Westfalen.

Flaÿou – „joyful design“ made in Tunis

Introduction

Hella El Khiari and Thomas Egoumenides first met 2009 in Paris, where they both studied Architecture. After a few years of working as architects in different studios throughout Paris and Montreal the Tunisian-French couple moved to Tunis, Tunisia. Here, in 2016, they founded flaÿou – an interdisciplinary design studio for graphic, object and architectural design.

Visiting the Studio

We got to know Hella and Thomas during our research trip to Tunis in November 2019. Visiting their studio in the district of La Marsa, we learn about their motivation, curiosity and passion toward materials, techniques and objects that tell their own story. Welcoming us with coffee and homemade cookies, we’re completely delighted by this self-proclaimed „dream team“ bursting with energy and positive charm. 

The playful and refreshing approach reflected by each of their objects matches the studio name: In Arabic „flaÿou“ referres to a specific type of mint and is also a nickname for typical Tunisian mint drops that are usually attached to business cards as a small gift.

„Joyful design“ is the term Hella likes to use in this context. They want their works to be fun. All the products we are shown in their space are colorful, playful and made with attention to detail. As a basis they work with ecological and recycled materials like clay, cork, collected plastic bottles or other pre-used materials.

About two of their products we talked about in more depth and discover more about the idea and the design process:

Chich-bich (Backgammon)

Inspired by the craftsmanship of the female potters from Sejnane in the northern part of Tunisia, flaÿou created three strategic games made of cley, burnt in the open fire. The collection’s name „Chich-bich“ is the Tunisian word for Backgammon. Chess and Checkers are also part of the series. All the figures are handmade (without a pottery wheel) and can be bought in a variety of colors. For the traditional coloring local herbs and other plants are used. Going hand in hand with the humorous approach of the „dream team“ the games are presented in home-designed pizza box packaging.

On their website the collection’s elaborate creation process is shown in a video. The traditional handicraft pottery of the Sejnane women made it onto the UNESCO Intangible Cultural Heritage list in 2018.

Tunis en poche…

… is the name of a miniature city made from pastel colored resin, cork or chocolate. The set includes eight miniatures of iconic Tunis buildings. They are each paired with a leaflet with personal anecdotes and information about their history and architecture. The former entrance gate to the old part of the city „Bab Saadoun“, the Olympic stadium „El Menzah“ as well as the impressive and vacant „Hôtel du Lac“ are just three examples ans show an interesting variety of construction and styles that characterizes the city’s appearance today.

Hella and Thomas sell their work in a few selected shops in and outside the country as well as in their online shop. They also share their passion for materials, traditional crafts and innovative production methods in workshops and other cooperative projects. If you want to learn more about them, have a look at their website.

We are very excited to have met the two of them in this personal way and wish them all the best for the future, a ton of fun and fresh ideas!

Fotos: Achref Guesmi

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Die Recherchereise nach Tunis und Thessaloniki im Rahmen des ECO DESIGN FORUM international veranstalten wir als Kooperationspartner der Stadt Köln. Das Projekt wird gefördert durch die Stadt Köln aus Mitteln der Partnerstadtprogramme und Engagement Global aus Mitteln des Landes Nordrhein-Westfalen.

iota is a social brand designing beautiful handmade objects for the interior while creating jobs for otherwise unemployed people worldwide. iota’s foundations are based on three fundamentals: the use of handmade elements to create new, unexpected designs; the usage of luxurious bespoke yarns and materials; and being a social business. Our collection gives stage to our unique textiles which we develop and design and is based on the technic of Crochet knitting. Our products vary from rugs in different sizes to poufs, stools and benches, pillows and swings, everything textile oriented, some with complimentary materials or structures. We design our products respectively to our vision so they can be crafted in the homes of otherwise unemployed women whom we train and groom. All our products are handmade by these women who create knitted elements in the comfort of their home and then send them over to our studio to be assembled into the final products. Our name has a meaning: ‚iota‘ stands for „a bit“ in Latin and as it is, little by little, from a single element to the final product, from the individual to the global, we aspire to make an impact on the lives of our clients, our employees and our community.

The vision behind ‚iota‘ is to establish a movement that allows different people from around the world to learn the technique of traditional hand-craftsmanship, to provide them employment and allow them to earn an honest living. This idea contains a social responsibility and a way to maintain traditional arts by extenuating the importance of knowledge and skills. It also portrays the belief that regardless of the infinite possibilities that technology offers, people still seek for a personal and unique hand print.

The main concept in our design is creating innovative products from a traditional starting point, and changing the perception of what can be done using hand techniques. As they are conceptually built up from pieces, our products have a tactile nature which calls to create playful contact and combinations between shapes, colors and textures. iota’s products fit into the “in-between” spaces of our lives, filling emotional and practical needs by creating beautiful objects which also carry a social cause. The search for products and materials is done by physical research. We learn old techniques combined with modern knowledge and come up with new strings in colors that are unique for us. All these create a new textile language that combines various materials into unlimited products. We make tradition contemporary.

iota was founded in 2014 by Shula Mozes, a social entrepreneur who had a dream to utilize the craft of knitting, which she loves, into a social opportunity. Knowing there are countless communities of women worldwide who are not able to work outside of the home, she felt that a design brand based on knitting could offer a solution for them and simultaneously be a platform for exciting and bespoke design. Shula reached out to Tal Zur, an Industrial designer with an inclination to crafts and an understanding in textiles, to be the creative mind behind the project. Tal fell in love with the idea, and together they set to build up their dream.

Today, iota first of all is a social-business, both ecologically and socially conscious, with a commitment to sustainability and community support. The majority of profits from iota’s product sales are invested in welfare and educational programs worldwide. We aim to work within communities with high rates of unemployment, and provide mentoring and training programs for women. We work with people with no prospect of employment, giving those opportunities as we invest in their training and mentorship. We give our employees the option of working from home and reward them with fair pay, while creating a sense of community and empowerment. Our production process is completely transparent, and we absolutely condemn child labor and sweat shop environment.

We teach methods of re-appropriating traditional craft techniques, which requires teaching of skills. We believe the importance of skills does not lie only in the final product but rather in the process. The process of hand craftsmanship, which necessarily requires time and attention from the craftsman, creates an emotional connection between him and the final product he created. This connection creates emotional products. The products embody the craftsman’s unique finger print and thus making him an inseparable part of the final product. As opposed to a machine which creates anonymous products, our handmade products have a past, a background and a memory.

A skill, if utilized, can have rewarding qualities; rewarding to the product that is created as a one of a kind element; and rewarding to the craftsperson, whose skill makes him an expert, and therefore meaningful. This empowerment, deriving from owning a skill, is what we strive to preserve and enhance.

The photos from our visit are taken from Sabine Stein sabinestein.com

Facts

Name: KnowMe
Bereich: Nachhaltige Mode
Designerin: Noomi Lösing
Gegründet: 2009
Ort: Münster, Deutschland
Website: www.knowme-label.com/
Facebook: www.facebook.com/pages/KnowMe

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Wir treffen Noomi in ihrem kuscheligen Atelier in einem Münsteraner Hinterhof. Es gibt einen kleinen Verkaufs- & Showroom und eine Werkstatt, in der langjährige Mitarbeiterin Hauke gerade an einem Kleid näht und Praktikantin Noriko an Täschchen aus Restlederstoffen einer Münsteraner Polsterei. Noomi versorgt uns mit leckerem Gebäck und Tee und wir machen es uns in der kleinen Sitzecke gemütlich. Noomi hat KnowMe 2006 gegründet. Als gelernte Damenschneiderin und Schnittdirektrice war ihr nach ein paar wenigen Jahren bei konventionellen Modelabels schnell klar, dass sie mit ihrem eigenen Label nur „korrekte Klamotten“ herstellen würde.

ökoRAUSCH: Wie kamst du zur nachhaltigen Mode und wie waren deine Anfänge?
Noomi: Ich bin da durch Zufall reingeschlittert. Ich war nach meinem Abitur bei einer Beratungsstelle und die Frau dort ging ziemlich viele Fragen mit mir durch. Zum Schluss hat sie mich angeguckt und gefragt: „Was wäre denn mit einer Schneiderausbildung?“ Bis zu diesem Zeitpunkt hatte ich daran noch nie gedacht. Aber etwas Kreatives, Handwerkliches wollte ich auf jeden Fall machen und so habe ich mich beworben.

Mir war es schon immer wichtig, gute Materialien zu verwenden. Ich hatte in der Ausbildung gemerkt: wenn man einen billigen Stoff kauft, sich ein tolles Teil daraus näht und es dann nach dem ersten Waschen nicht mehr so aussieht wie vorher, ist das echt ärgerlich! Auch diese Plastikstoffe auf der Haut fand ich nicht so angenehm. So habe ich mich damals schon auf die Suche nach guten Materialien gemacht. Und gut hieß damals OEKO-TEX STANDARD 100. Mittlerweile weiß ich natürlich, dass das kein wirkliches Zertifikat ist. Aber damals war es das, was ich gefunden habe.

In der Modeindustrie passiert viel im Ausland. Leute bekommen wenig Geld, haben harte Arbeitsbedingungen und produzieren Sachen, die hier auch noch mega billig angeboten werden. Ich habe mich schon immer gefragt, wie das sein kann? Weil ich gesehen habe, wie viel Arbeit eigentlich hinter so einem Kleidungsstück steckt, bis du es anziehen kannst. Daher wollte ich immer eine made in Germany Sache daraus machen. So habe ich auch die Kontrolle darüber, die Teile in einer guten Qualität auszuliefern. Es gibt keine Schnittkomplikationen oder Fehler, die schnell mal auftreten, wenn man im Ausland produzieren lässt.

Anfangs habe ich meine Stoffe noch in Rohweiß bekommen und mir dann eine Färberei gesucht, die sie mir nach meinen Wünschen und Nachhaltigkeitszertifikaten einfärbt. Das war damals noch super aufwändig und kostspielig, weil ich immer gleich mindestens 50 Kilo – das sind 50 Meter – abnehmen musste. Und dann hatte ich nur eine Farbe! Auf meinen ersten Messen habe ich dann die Jungs von Lebenskleidung  aus Berlin kennengelernt. Die hatten damals schon Biostoffe und das war für mich großartig. So konnte ich von vornherein eine kleine Auswahl an zertifizierten Biostoffen verarbeiten und musste mir keine Rohware mehr kaufen und färben lassen.

Kam dein Nachhaltigkeitsinteresse denn auch aus deinem privaten Lebensumfeld oder erst durch die Ausbildung?
Nein, das kam tatsächlich erst durch das Sich-damit-beschäftigen in der Ausbildung. Ich wollte von Anfang an gute Qualität liefern. Wenn du dir bei mir ein Teil maßschneidern lässt, machst du das nicht jedes Jahr. Das Teil trägst du zehn Jahre! Das sind dann Klassiker. Und das mit einem tollen Stoff zu liefern, bei dem du genau weißt wo er herkommt. Wow. Das war eigentlich mein Anspruch von Anfang an. Mittlerweile habe ich es halt leichter.

Was war denn am Anfang für dich am schwierigsten?
Mich zu vermarkten. Bei meinen ersten Auftritten auf der INNATEX [Internationale Fachmesse für nachhaltige Textilien ] war ich noch sehr unsicher wegen der Mode, die dort vorherrschte. Die Schnitte waren sehr weit und es gab nichts, was mich irgendwie angesprochen hätte. Ich habe mich schon gefragt, wie ich mich da vermarkten kann. Aber im Grunde habe ich schnell gemerkt, dass das genau die richtige Messe für mich war. Die Leute, die die INNATEX besuchten, hatten schon lange Bekleidungsgeschäfte, in denen Naturmaterialien angeboten wurden. So habe ich dort tolle Kontakte zu meinen Händlern aufgebaut.

Bei wem musstest du mehr Überzeugungsarbeit für ökofaire Kleidung leisten? Bei deinen Kunden oder eher auf der Händlerseite?
Eher auf der Händlerseite. Ich habe schon das Gefühl, dass die Händler in erster Linie günstig einkaufen wollen. Aber bei Kleidung made in Germany mit GOTS-zertifizierten Materialien braucht man über bestimmte Preise einfach nicht reden. Daher habe ich mich auch vor zwei Jahren vom Messegeschäft verabschiedet.

Bei vielen Einzelhändlern habe ich auch das Gefühl, dass sie erster Linie einfach ihre Sachen verkaufen möchten und nicht auch noch die Story dahinter. Aber dadurch, dass wir so individuell arbeiten gibt es einfach eine Geschichte. Selbst Läden in Münster ist das oft zu kompliziert. Dabei ist eben eine Hose zu kürzen oder die Ärmel am Kleid enger zu machen eine Kleinigkeit. Da komme ich eben vorbei, stecke das am Kunden ab und bringe es ihnen dann nach Hause. Das bieten wir an. Statt dessen kommen viele Kunden nun einfach direkt zu uns in den Laden.

Die Überzeugungsarbeit bei meinen Kunden zu leisten ist eigentlich gar nicht von Nöten. Die meisten Leute, die sich mit Nachhaltigkeit auseinander setzen und Bock auf etwas Korrektes haben, sind einfach bereit dazu, einen Weg auf sich zu nehmen und auch ein bisschen mehr zu zahlen. Die gehen einfach auch anders mit ihrer Kleidung um, schätzen sie viel mehr.

Das heißt dein Absatzmarkt ist auch eher dein Laden und der persönliche Kontakt als der Onlinehandel?
Ja, eher der Endkunde. Der Schritt dahin, nicht mehr zweimal im Jahr auf die INNATEX zu gehen und sich mehr an den Endkunden zu richten, war schon risikoreich und natürlich hatte ich dadurch auch Einbußen. Im Endeffekt bin ich froh, diesen Schritt gemacht zu haben, weil es auch viel Stress heraus nimmt. Nicht mehr zwei Kollektionen im Jahr liefern und den Erwartungshaltungen gerecht werden zu müssen. Allein vorher schon zu wissen, was die Leute nächste Jahr im Winter tragen wollen – das ist doch verrückt! Für mich ist es auch nicht nachhaltig, jedes Jahr zwei neue Kollektionen herauszubringen. Leute, die sich mit diesem Thema auseinander setzten, kaufen eher weniger.

Und die Tatsache, dass du auch individuell anfertigst, hast du dich darauf erst konzentriert als du das Messegeschäft aufgegeben hast?
Nein, das habe ich schon von Anfang an gemacht. Es fing eigentlich damit an, dass ich für gute Freunde Teile genäht habe. Hier mal ein Mantel oder da mal eine Hose. Dadurch, dass ich mich von den Händlern entfernt habe, habe ich natürlich mehr Zeit für die Maßkunden und es kommen dadurch auch mehr.
Außerdem merke ich, dass es etwas ist, was die Leute glücklich macht, wenn sie sich Teile individualisieren lassen können. Das gibt es nicht so oft. Ich erreiche damit natürlich nicht die Masse. Aber das war mir von Anfang an klar und die Leute schätzen es umso mehr. Wenn ich dann kurz vor Weihnachten einen Anruf kriege: „Ach, machen Sie mir doch für meine Frau noch einmal dieses Kleid in rot, das sie ihr schon einmal genäht haben.“ Dann ist das schön.

Du meintest eingangs, du hättest am Anfang Schwierigkeiten gehabt Stoffe zu finden, die deinen Ansprüchen genügt haben. Hast du das Gefühl, dass die Branche mittlerweile Druck auf Produzenten ausübt und die Anbieter von Textilien langsam nachziehen?
Nein. Das heißt, auf gewisse Art und Weise schon: Es gibt diese Greenpeace Campagne [„Detox my Fashion“-Kampagne ], die Firmen dazu auffordert offen zu legen, wo welche Teile produziert werden, welche Zwischenhändler beteiligt sind, was für Chemikalien eingesätzt werden. Bei vielen Firmen ist das aber gar nicht mehr nachvollziehbar, weil die so viele Zwischenschritte haben… Da passiert schon was. So habe ich heute nicht mehr ausschließlich Lebenskleidung als Zulieferer, sondern auch noch ein, zwei andere Firmen. Auf der anderen Seite weiß ich, dass ich mich von bestimmten Sachen immer noch verabschieden muss: besonders krasse Farbkombinationen, zum Beispiel, oder Tüll mit Punkten (lacht). Also ein paar Sachen gehen einfach nicht.

Wovon träumst du?
Von einer mobilen KnowMe Werkstatt. Einem Ort für Austausch, für Aufklärung in Sachen Mode und vielleicht auch die DIY Workshops. Hauke schmeißt dann hier den Laden und ich schneidere im Bulli.

Noomi, vielen Dank für das Interview.

Nach der Abkehr vom Messegeschäft und den Kollektionen wird der Fokus bei KnowMe noch einmal enger: Mit der neuen Website, die gerade in Arbeit ist, wird auch der hauseigene Onlineshop verschwinden. Damit wird die aufwändige Pflege des Onlineshops ausgelagert und es bleibt mehr Zeit für das Kerngeschäft und das, was eigentlich Spaß macht – Klamotten entwerfen und schneidern. Statt dessen werden KnowMe Klamotten online nur noch beim Avocadostore zu finden sein. Es wird mehr von den Events geben, die Noomi gelegentlich im Atelier veranstaltet, wie jüngst der weihnachtliche Flohmarkt mit Waffeln und Musterverkauf.

Das Interview mit Noomi Lösing führte Anika Paape, die Fotos machte Frau Babic .

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Kurzvorstellung

germanmade. steht für Produkte mit Seele für Menschen mit Herz und Verstand. Für durchdachte und überraschende Design-Produkte, die unseren Alltag schöner machen. Dabei sind die Taschen und Accessoires liebevoll entwickelt und maßgeblich von Hand in Deutschland gefertigt. Die Produkte bestechen nicht nur durch einen hohen Anspruch an Form und Funktion, sondern überzeugen auch durch ein reduziertes Design, einen unverwechselbaren Charakter und gesunde Nachhaltigkeit.

Alle Produkte entstehen in Kleinstserien in Handarbeit. Dabei werden die Designs, Ideen und Gedanken von Nina in ihren Partnerateliers (u.a.) in Düsseldorf, Apolda und Solingen umgesetzt.

Die verwendeten Rohmaterialien sind von der Designerin handverlesen und werden von den Manufakturen zu Taschen, Hüllen, Portemonnaies und vielem mehr verarbeitet.
Viele der Partnerschaften pflegt und hegt sie bereits seit der Gründung von germanmade. im November 2010. Die enge Zusammenarbeit und die Einfachheit der Prozesse ermöglichen zudem die direkte Kundeneinbindung auf einem außergewöhnlich hohen Individualisierungsgrad.

Wie es dazu kam

germanmade. wurde nicht von langer Hand geplant. Es war die Suche nach genau diesen Produkten, die die Designerin Nina Plum dazu trieb, es selbst zu machen. Der eigene Anspruch. Einfach so. Weil es sich richtig anfühlte. Mit Herzblut und Visionen. Das war Ende 2010. Jetzt sind sie 72 Schritte weiter. Gewachsen. Gereift und hungrig auf mehr. Als frisch gebackene Mutter einer einjährigen Tochter hat sie sich die Partner ins Boot geholt, die genauso arbeiten wie sie, nämlich Power-Mütter.

Die „germanmädels“ haben Spaß an dem, was sie tun. Darum tun sie es auch. Das war so und wird auch so bleiben. Die „germanmades“ sind Kinder der 90er und Menschen des 21. Jahrhunderts. Sie arbeiten im Jetzt und haben wilde Ideen für Morgen. Das spiegelt sich in jedem ihrer Designs. Das germanmade. Netzwerk aus mittelständischen Handwerksbetrieben wird mit jedem neuen Produkt größer und umspannt das ganze Land. Ein Querschnitt aus Deutschland. Von Tradition bis Moderne. Für einzigartige Produkte. Ganz und gar germanmade. Punkt.

Nachhaltigkeit & Design

Es ist die Einheit von Design, Material und Funktion, welche die germanmade. Produkte besonders macht. Gutes Design lebt eben nicht allein von einer guten Idee. Es fordert Kompetenz, Erfahrung und Verständnis für die Materialien. Wie sie aufeinander reagieren. Miteinander harmonieren. Wie belastbar sie sind. Wie man sie verarbeitet. Es erfordert aber auch Mut, andere Wege zu gehen. Die Designs stehen immer im direkten Zusammenhang mit dem verwendeten Material. Mit ihrem minimalistischen Stil, der den Fokus auf Form und Funktion der Produkte legt, spricht germanmade. vor allem Menschen an, die Wert auf Ästhetik und Design legen. Nebenbei ist eine nachhaltige Produktion, vom Material bis zur manuellen Fertigung, einfach selbstverständlich für germanmade. Was der Name verspricht, wird auch gehalten, und zwar konsequent.

Es sind also nicht nur die kurzen Wege und das zeitlose Design, die für Nachhaltigkeit stehen, sondern vor allem – oder – eben auch die handverlesenen Materialien. So wird ausschließlich pflanzlich gegerbtes Rindsleder eingesetzt, was frei von Chromsalzen gegerbt und schadstoffarm gefärbt wird. Sowie natürlicher Wollfilz aus einer der letzten deutschen Manufakturen oder FSC zertifiziertes Holz. Diese Art der Verarbeitung erhält die Natürlichkeit der eingesetzten Materialien. Jede Haut, jedes Stück Holz behält seine Einzigartigkeit, seine eigene Geschichte. germanmade. lebt ihre Geschichte weiter und bietet dadurch nicht nur besondere Produkte, sondern Produkte mit Seele an, die jedes Stück zu einem Unikat werden lässt.

Fotografie: Philipp Plum  /  Models: Misfit Models

Facts

Designer: Martin Weiß
Label: BACKWOOD -sustainable-social-sports-supply-
Bereich: Produktdesign, Handwerk
gegründet: 2013
Ort: Aachen, Deutschland
Website: back-wood.de
Facebook: facebook.com/backwoodboards

Martin ist eigentlich Architekt und berichtet uns in einem Gespräch, wie sein Arbeitsleben eine Wendung nahm und er seine Leidenschaft zum Beruf gemacht hat. Wir haben ihn in seiner Werkstatt in Aachen besucht.

Durch Zufall bekam Martin 2009 die Möglichkeit, in einer arbeitstherapeutischen Werkstatt die ersten Surfbretter aus Holz zu bauen. Zu dieser Zeit war es eine Projektarbeit. Seit 2013 ist er nun in einer Werkstatt-Gemeinschaft in Aachen. Am Tag kümmert er sich viel um seine Kinder und ist entsprechend häufiger auch noch abends in der Werkstatt anzutreffen. Für die Zukunft wünscht er sich eine mobile Werkstatt zum Reisen oder eine direkt angeschlossene Ausstellungsfläche. Dann würde sein Arbeitsplatz auch eher wie eine Surflounge aussehen. Seine Qualität liegt im planerischen Teil, im CAD zeichnen und entwerfen. Das ist der akademische Teil des Entstehungsprozesses, der näher an der Architektur liegt. Im Gegensatz dazu findet er es spannend, die Dinge nicht nur zu planen, sondern das auch mit den eigenen Händen umzusetzen.

ökoRAUSCH: Warum Surfbretter?
Martin: Ich bin selbst leidenschaftlicher Surfer. Wellenreiten ist für mich ein Lebensgefühl, Passion und seit Jahrzehnten bestimmt es mein Leben. Es ist schon etwas ganz Besonderes, mit der Natur eins zu werden und die Energie der Sonne zu fühlen. Irgendwann dachte ich, es wäre günstiger ein Brett selbst zu bauen, anstatt es zu kaufen. Das ist bei den Ersten natürlich Blödsinn.

Wie verbindest du surfen mit Nachhaltigkeit?
2005 gab es eine große Debatte über Clark Foam, den damaligen Weltmarktführer in der Blankherstellung. Sie mussten schließen, weil sie die Umweltauflagen nicht erfüllen konnten. Das war ein Schock. Was muss wohl passieren, bis man in den USA ein Unternehmen aus diesem Grund schließen muss? Danach fingen viele an in Frage zu stellen, ob es sinnvoll ist, ein so umweltbelastendes Surfbrett zu nutzen, wenn man auf der anderen Seite die Einswerdung mit der Natur genießt.

Im Surfurlaub lebe ich sehr naturnah. Irgendwann fragte ich mich, warum ich etwas unter den Füßen habe, was nicht recycled werden kann und in der Herstellung sehr toxisch ist. Aus diesem Grund habe ich für mein Label eine Alternative zum Kunststoff gesucht und kam zum Holz. Surfbretter waren früher schon aus Holz und die Hohlbauweise, die ich bei meinen Brettern verwende, gibt es schon seit den 1920er Jahren. Kunststoff lässt sich sehr viel schneller und günstiger herstellen und hat dadurch die Holzbretter vom Markt vertrieben. Es ist spannend zu beobachten, dass Holzbretter jetzt wieder konkurrenzfähig werden.

Nachhaltigkeit ist auch in anderen Bereichen des Surfens angekommen. Es gibt einige Organisationen, die sich mit den umwelttechnischen Belangen rund ums Surfen auseinandersetzen, wie die „Surf Riders Foundation“ und „Surfers against Sewage“. Als Surfer ist man abhängig von guten Wellen und die Klimaerwärmung wird diese Bedingungen zerstören. Eine Auseinandersetzung mit Themen wie Umweltschutz und Nachhaltigkeit liegen entsprechend nah. Und trotzdem bleibt da zum Beispiel die Frage, wie man reist. Es gibt Leute, die fliegen mal eben nach Bali oder Indonesien, um dort drei Wochen zu surfen. Der Surftourismus in Indonesien ist außerdem nicht nachhaltig für die Menschen vor Ort. Oder man betrachtet die Industrie, die hinter dem Surfen steht, wie zum Beispiel die Klamottenfirmen, die alle in Asien produzieren. Bei manchen großen Firmen kommt das Thema Nachhaltigkeit bereits an. Patagonia und Finnisterre aus England haben Firmenkonzepte, mit denen ich mich identifizieren kann. Finnisterre legen alle Informationen über ihre Produktion offen und integrieren nachhaltige Aspekte in ihre Produktion.

Mit meinem Unternehmen möchte ich die Themen und Hintergründe wieder ins Bewusstsein bringen, angefangen mit den Holzbrettern. Ich sehe mich als Botschafter, den Leuten Nachhaltigkeit näher zu bringen. Die Bretter sehen dann auch noch wunderschön aus. In Europa war ich einer der ersten, die Holzbretter gebaut haben. Mittlerweile gibt es einige Hersteller auf dem Markt, was deutlich macht, dass das Produkt den Zeitgeist trifft.

Wie hoch sind die Kosten im Verhältnis zur Lebensdauer?
Die Spannweite der Kosten für ein Surfboard sind sehr hoch. In Asien produzierte PU/Polyester Bretter bekommt man auf Messen schon mal für 200€. Sobald die Bretter von bekannten Shapern gesighnt sind, bezahlt man auch gerne mal an die 1000€ für ein Brett. Der Marktanteil von PU/Polyester Konstruktionen ist nach wie vor sehr hoch. Laut der Zeitschrift Surfers haben diese Bretter eine durchschnittliche Lebensdauer von einem Jahr.

Zwar ist der CO2 Fußabdruck bei der Allternative aus EPS/Epoxy höher, dafür ist aber auch die Haldbarkeit mit fünf Jahren deutlich besser. Epoxydharz ist teuer und in der Produktion aufwendiger zu bearbeiten, weshalb der Marktanteil eher gering ist.

In letzter Zeit benutzt man Holz oft als Sandwich-Material. Dabei besteht das Board aus einem Schaumkern mit Holzfunier. Genau wie bei meinen Brettern hat die Bauweise einen sehr positiven Einfluss auf die Dynamik. Die Bretter brechen nicht mehr, man schlägt sich eher etwas auf. Das lässt sich jedoch wieder reparieren. Holzbretter sind die nachhaltigste Alternative, bisher allerdings noch nicht massenkompatibel. Wenn man mit den Holzbrettern gut umgeht, können sie auch eine Lebenszeit halten. Da die Herstellung deutlich zeitaufwändiger ist, sind Holzbretter etwas teurer. Der Preis beginnt bei ca. 700€.

Wie baust du deine Bretter?
Ich baue die Surfbretter in einer Hohlbauweise und komplett aus Holz. Das Gerippe gibt dabei die Form vor und wird dann mit 6mm starkem Vollholz beplankt. Das ist alles Handarbeit und erfordert viel Übung. Um das beste Verhälnis zwischen Gewicht und Haltbarkeit zu erzielen, habe ich mich dazu entschlossen, die Bretter mit Epoxydharz zu laminieren. Hierzu nutze ich das nachhaltigste Harz auf dem Markt, welches zu einem großen Teil aus recycelten Bestandteilen hergestellt wird. Am liebsten wäre es mir, wenn ich darauf komplett verzichten könnte. Es gibt einen Hersteller, der Bretter aus Holz baut und diese nur ölt. Die Lebensdauer verkürzt sich sofort, denn der Kunde müsste ein solches Brett sehr gut pflegen, was nur selten gemacht wird. Für mich ist das Laminieren mit der anschließenden langen Lebensdauer die bessere Wahl. Seit vier Jahren benutze ich das Epoxidharz „Supersep“ von Andrew P. Risans. Das ist ein Harz aus Recycling-Material. Es ist immer noch nicht grün, das ist in diesem Bereich im Moment noch nicht möglich. Ich versuche meine Produktion und Materialien Schritt für Schritt immer nachhaltiger zu gestalten. Es gibt immer neue Produkte auf dem Markt, die ich ausprobiere. Gerade beim Harz sind das oft Recycling-Produkte.

Die Wahl des Holzes ist ein wichtiger Punkt. Ich arbeite wegen der Eigenschaften sehr gerne mit Zeder. Das ist ein schönes Holz, wächst aber leider nur in Nordamerika. Die meiste Zeit verarbeite ich Paulownia, das Holz ist leicht, lässt sich gut verarbeiten und wächst in fast allen Klimazonen, mittlerweile auch in Deutschland. Es ist ein Zierbaum, er ist bekannt als „Blauglocken-Baum“ und wächst in unseren Parks. Neben anderen Städten gibt es auch in Bonn eine große Versuchsanpflanzung, da der Baum auch für die Papierindustrie interessant ist. Er wächst sehr schnell und ist nach neun bis zwölf Jahren schlagbar. Es wird entsprechend in den nächsten Jahren möglich aus Bonn mein Holz zu beziehen. Für die Herstellung von Surfbrettern gibt es einige Anforderungen an das Holz. Pappel scheidet zum Beispiel wegen der Pilzanfälligkeit und geringen Stabilität aus.

Ist deine Arbeit nachhaltig?
Meine Arbeit ist aufgeteilt in das Bauen von Brettern und durchführen von Workshops. Ich baue nicht nur Surfbretter, sondern auch Snowboards, Kite-Boards, Stand-Up-Paddel und Longboards. Deutschland ist schließlich nicht das Land der Surfer. Mit einem Fulltime-Job kann ich maximal 10 Bretter im Monat bauen. Dann bin ich wirklich an meinen Grenzen. Ich verbringe viel Zeit damit Workshops anzubieten, in denen Leute ihr eigenes Board bauen können. Aus den Workshops heraus entstehen Freundschaften und ich habe sogar schon mit ehemaligen Kunden Urlaube verbracht. Auch der Kontakt mit alten Kunden ist immer noch da. Ich freue mich sehr, wenn ich in Hamburg mit manchen noch einmal ein Bier trinken gehe. Das ist es, was mich am Ende an der Stange hält, auch wenn ich phasenweise viel zu viel arbeite.

Ich verbinde meinen eigenen Surfurlaub direkt mit Akquise. Das ist auch ein Aspekt der Nachhaltigkeit, denn das kritische am Surfen ist der Weg zum Surfen hin. Dann ist es sinnvoll, dort schon die nächsten Kunden zu finden. Sie kaufen später bei mir ein Board, das sie bei mir gesehen haben. Das meiste Feedback kommt durch das Produkt selbst. Ich werde von Leuten angeschrieben, die meine Kunden im Urlaub kennengelernt haben und die Story vom selbstgebauten Board super finden. Darüber hinaus möchte ich Wege finden, wie noch mehr Surfer meine Bretter sehen können. Zur Zeit produziere ich Boards, die ich in die Läden stellen möchte, um sie ohne Wartezeit verkaufen zu können.

Ich hatte mir schon früh vorgenommen etwas in meinem Leben zu machen, dass am Ende die Welt ein Stückchen besser gemacht hat. Ich bin eher bereit auf Sachen und eine Karriere zu verzichten, um sagen zu können: Ich habe etwas Sinnvolles gemacht. Es ist schön, dass auch meine Kunden so eingestellt sind.

Das Interview führten Anika Paape und Christina Schütz. Mit dabei war die Fotografin Frau Babic.

Kurzvorstellung

GROEGL UPCYCLING steht für Designprodukte aus recycelten Materialien. Die Möbel und Wohnaccessoires bestechen nicht nur durch hochwertiges, nachhaltiges Design, sondern auch durch den unverwechselbaren Charakter eines individuellen Einzelstücks. Altes Material trifft auf frisches Design.

Alle Produkte entstehen in Handarbeit als Kleinserien. Handmade – Entworfen und produziert direkt vom Designer! Dadurch bleiben Entwurf und Herstellung in einer Hand. Die eigene Produktion hat den Vorteil, auch direkt auf mögliche Kundenwünsche, wie Größe und Farbwahl einzugehen – individueller geht’s wohl kaum.

Wie es dazu kam

Als gelernter Kunsthandwerker habe ich früher Ideen verschiedener Künstler umsetzen dürfen. Als kreativ denkender Mensch war dies jedoch irgendwann nicht mehr sehr erfüllend. Dem immer weiter aufkommendem Drang selbst gestalterisch aktiv zu werden, folgte ein Studium zum Produktdesign. Schon da befasste ich mich in freien Projekten ausgiebig mit dem Thema Recycling und Upcycling. So kam es auch, dass ich mich dieser Thematik in meiner Abschlussarbeit „Experimentelle Entwicklung eines Recyclingmöbels für eine Kleinserienfertigung“ annahm. Dies war der Startschuss für mein eigenes Label Groegl Upcycling.

Nachhaltigkeit & Design

Die Designprodukte von Groegl Upcycling sollen Menschen mit nachhaltigem Konsumverhalten ansprechen, die großen Wert auf Ästhetik und Design legen. Die Attraktivität der Produkte besticht nicht nur durch das durchdachte Design und dem nachhaltigen Ressourceneinsatz, sondern auch durch den Unikat-Charakter jedes einzelnen Stücks.

Dabei bringt das verwendete Material seine ganz eigene Vorgeschichte mit. Die wiederverwendeteten Materialien verleihen jedem Produkt etwas Einzigartiges, etwas Individuelles. Die Geschichte des Materials macht es zu etwas Interessantem, das in der Vergangenheit in anderer Form und mit anderer Funktion zum Einsatz kam. Durch die Individualität der Upcycling-Produkte wird der persönliche Bezug des Menschen gesteigert, was den Lifestyle des Besitzers wiederspiegelt. So kombinieren Groegls Upcycling-Produkte Nachhaltigkeit mit Lifestyle und Design.

Upcycling Workshops

In der Workshopreihe, die von Gregor Halberstadt angeboten wird, geht es darum Kinder und Jugendliche zu begeistern mit Restmaterialien zu werkeln, basteln und daraus neue Produkte entstehen zu lassen. Dabei werden nicht nur Kreativität und handwerkliches Geschick gefördert, die Workshopteilnehmer setzen sich so auch aktiv mit den Themen Ressourcenschonung und Müll- vermeidung auseinander. Durch die Aufarbeitung und Kombination verschiedener Restmaterialien entstehen unter fachlicher Anleitung neuartige Produkte.

Profile

Santai develops and produces contemporary Javanese design furniture. The company has its creative hub in Yogyakarta city, the cultural heart of Java, Indonesia. The team consists of a german founder / managing director and award winning Javanese designers, such as Singgih Kartono and Architect Eko Prawoto.

Santai takes inspiration from the lifestyle and culture of Java to create puristic contemporary furniture. Traditional skills and style elements are reinterpreted and applied to the products in new ways.

Santai highly appreciates the beauty of Indonesian nature and is aware of its vulnerability, and therefore exclusively uses sustainable materials. Santai also seeks mutual learning with partners from Java. All furniture is produced by local enterprises.

Products & Development

We combine traditional craftsmanship, sustainable materials and puristic design in all of our product families. Just recently we launched Pring, the new bamboo furniture family that mainly consists of a daybed, sofa and stool. Indonesia has one of the world’s most refined bamboo cultures. The smart daily ways of applying the material has inspired us to rethink bamboo, with the aim of bringing its beauty to contemporary urban living. We therefore did extensive research on the strengths and constraints of bamboo and found new ways of creating nicely sleek yet strong structures.

The basis for the new Pring line has been formed by renowned architect and bamboo advocate Eko Prawoto. He envisioned the light and linear shapes that were developed in detail by our Germanled technical team and pioneered with the Amben daybed. We then extended the bamboo family with a new sofa, lounge chair, sofa table and stool.

The individual pieces delight with a minimalistic appearance, truly relaxing comfort and the natural warm feeling of bamboo. They enable the private customer to create cozy rest and „get together“ areas. And further, because of its lasting quality, the Pring line provides a complete solution for lounges in hotels, offices and cafes. The new furniture line is complimented by a special edition of batik accessories – pillow, bolster and sofa cover – that we created together with the Berlin and Jakarta based fashion label Populo Batik.

Our other families, Angkringan and Kursi also have their origin in Javanese culture. Created by Singgih S. Kartono the products take their inspiration from Javanese classics such as the Sedan chair and Angkringan, a traditional mobile outdoor bistro where people sit together while having a meal.

Sustainability

Our approach on awareness for nature goes far beyond using exclusively sustainable and traceable materials such as bamboo or teak from state owned plantations. The products are being produced without the use of chemicals and with traditional methods to keep the impact on nature as small as possible. All products are handmade in Indonesia with materials only from Indonesia.

The furnitures base construction itself is often overlooked when talking about sustainability and environmental impact. We create products with that in mind and keep developing even existing products to keep the impact as green as possible. For example the recently updated Sedan and Jengki chairs have been redesigned to be produced without the use of a metal base frame part for the construction. We were able to do so by developing a strong wood frame connection instead. The result is a more energy efficient footprint, less effort during production and assembly since it can now be produced in one factory altogether.

Culture & Tradition

All our furniture is exclusively developed by designers from Java. Being true advocates of their heritage, only they have the ability to create designs that portray the deeper meaning of local culture and style elements. Our team of designers has a broad background of different disciplines: product design, architecture and graphic design to name a few. What binds them together is a deep interest and understanding of their heritage, a vision of a contemporary Javanese design and the drive to move things forward.

A good example is the weaving on the seat of Jengki and Sedan chairs. The art of traditional rattan weaving is slowly dissapearing from Java. So we developed a unique pattern of the weaving that fits on a puristic shaped chair but is also traditionally handmade by local craftsmen.

Our Goal

On the tropical island of Java, people devote a significant proportion of their day to moments of rest and togetherness. Especially in the afternoon, when the sun slowly sets, families and friends gather and laze about in their veranda chairs or on benches of a mobile cafe. The cozy atmosphere comes hand in hand with a spirit of creativity and unconventionality.

Our goal is to transfer the feeling of a slow moment in Java to cozy spaces at home and also the revitalization of elements of local culture that are threatened to disappear.

Santai in Germany

Santai is based in Sankt Augustin near Bonn. The first public exhibition took place at the Passagen Design Week Cologne 2015 where lots of helpful feedback was gained which is now being implemented in the development of the furniture.

Besides our cultural home and showroom in Yogyakarta, we are planning to open a showroom in Cologne in the future. Also our partner for brand-startegy and communications is based in Bonn, in permanent exchange between Indonesia and Germany. Additionaly to the option to order products directly, we offer an occasional warehouse-sale near Bonn.

Profile

Adital Ela is a sustainability designer and entrepreneur incorporating indigenous knowledge into sustainable design. She dedicates her professional life to develop designs that can enable the realization of new and inviting life habits that can thoroughly reform the encounter between man, object and environment.
Founder and CEO of CRIATERRA, Sustainability design lecturer at the social-environmental design study program at the Faculty of Design at HIT, a TEDfellow.

See Adital’s TEDtalk about the first phase of the research and a visit to Adital’s studio.

I was floored. Here I was working on this project feeling I was bridging ancient history, when this knowledge was right here in my family, a single generation away!

So what’s the difference between what my grandmother did back then and what I do today? Through my company CRIATERRA, I’ve created a material, technology and production process that allow the mass production of deeply sustainable products that are literally made from dust, and will return to dust as nutrients. My very first earth stools took several days to produce — very much like my grandmother’s oven. But three years of R&D and 1,000 lab-tested material samples later, our current products are manufactured in 8 minutes!

It was a long and systematic process that required tons of determination, as the core aim of our R&D was to enhance the properties of natural resources via a chemical process to allow them to replicate what cement does. CRIATERRA’s products hold the compressive strength of concrete, yet they are 100% natural, 100% degradable and recyclable. They create 2% of the environmental impact and 0.1% of the emissions of fired clay. They are made up of 70% remains from industrial diggings, and promote zero-impact local production in a circular economy.

We’re now establishing our first industrial production line, which should be ready in 3 or 4 months. Our first collection includes furnishings and decorative products, such as tiles and side tables. We also produce Earth Pieces, ornamental bowls that are designed by the natural flow of earth using a unique process. (See video above.) But furnishings are just the beginning. I see great potential for this material in the green building industry, where it may be used to create both interior and exterior structural products.

Today, 15 years after my magical chai moment, I can easily see this journey extending for at least another 15 years. We are only starting to unveil the potential of these incredible technologies. I truly believe that the key to a deeply sustainable circular economy is by enhancing the natural capacity of ancient indigenous methods and materials with up-to-date science and technology. From dust we create, to dust we shall return.

Dokumentarfotografie

– als Bestandteil von entwicklungspolitischen und gestalterischen Projekten im Ausland, am Beispiel der Wanderausstellung „CRAFT ACT – Philippinische Manufaktur im Wandel“ –

Schon während der Anfertigung meiner Diplomarbeit im Libanon war mir klar, dass auch nach dem Abschluss des Studiums weiterhin die dokumentarische Fotografie im Zentrum meiner Aufmerksamkeit stehen wird. Inspiriert von Dokumentarfotografen wie Joakim Eskildsen, sehe ich mich als Fotografin in der Rolle einer Vermittlerin, die mit dem Medium der Fotografie Inhalte visuell transportiert.

Auf die Idee, ein fotografisches Projekt auf den Philippinen umzusetzen, kam ich erstmals durch meine damalige Kommilitonin und Freundin Anna Kamphues, die vor Ort bereits als Kommunikationsdesignerin für die AFOS Stiftung für Unternehmerische Entwicklungszusammenarbeit in einem Berufsbildungsprojekt mit Handwerker*innen und Designer*innen zusammenarbeitete. Für mich bot sich hier die Möglichkeit, in ein bestehendes Projekt und Netzwerk hineinzukommen und direkt vor Ort mit einer NGO zusammenzuarbeiten.

Das Vertrauensverhältnis und die Kontakte zu den Menschen, die sich durch die Arbeit der AFOS Stiftung und Anna vor Ort über die Zeit bereits aufgebaut hatten, kamen meinen Fotografien sehr zu Gute. Ich konnte direkt sehr nah mit den Menschen zusammenarbeiten; ob in der Abacafarm in Guihulngan, mit den Flechthandwerkern in La Libertad oder beim Papierperlen herstellen in Iloilo City. Ich dokumentierte die Arbeit, aber auch das Zwischenmenschliche und die Alltagsrealitäten der Handwerker*innen und Designer*innen. Die Fotografien wurden in der Wanderausstellung „CRAFT ACT-Philippinische Manufaktur im Wandel“ in NRW 2014/2015 präsentiert. Als Teilprojekt der Wanderausstellung ermöglichen die Fotos einen individuellen Zugang zu den Lebens- und Arbeitswelten der Menschen. Zugleich funktionieren sie in ihrer Gesamtheit als ein visuelles Bindeglied zwischen handgefertigten Produkten, Hintergrundinformationen und filmischen Kurzportraits, die ebenfalls in der Ausstellung gezeigt wurden.

Stipendium zur künstlerischen Weiterbildung

Finanziert habe ich meinen gesamten Aufenthalt mit einem Stipendium des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) zur „künstlerischen Weiterbildung im Ausland“, das Absolvent*innen nach Abschluss eines kreativen Studienganges bis zu zweimal innerhalb der ersten fünf Jahre bekommen können.

Während meiner Zeit auf den Philippinen konnte ich zudem weitere freie Arbeiten für mein Portfolio schaffen. So ergab sich aus der Zusammenarbeit mit der AFOS Stiftung ein Fotoauftrag zum Thema Fairer Handel. Meine Fotografien der Wanderausstellung werden seither auf den Philippinen im Zusammenhang mit dem Projekt „HoliCOW“ ausgestellt.

Mehr Informationen unter:

holicow.ph  (Hintergrundinformationen – HoliCOW)
afos-stiftung.de  (Hintergrundinformationen – AFOS-Stiftung)
sabinestein.com  (Fotodokumentationen – Sabine Stein)